Dentro de las artes escénicas tradicionales de Japón, existe una que fascina al mundo por su técnica meticulosa y su pasión desbordante: el “Ningyo Joruri” (conocido popularmente como Bunraku). En los últimos años, y especialmente en este 2026, la fusión con tecnologías digitales y el aumento de las giras internacionales han puesto al Bunraku en el centro de atención global. Hoy te invitamos a sumergirte en este mundo que transmite intacta la energía del periodo Edo hasta nuestros días.
- De rituales antiguos al esplendor de Edo: El nacimiento del Ningyo Joruri
- ¿Por qué se llama “Bunraku”? El legado de un teatro superviviente
- El alma del escenario: La “Trinidad” artística perfecta
- El hombre de las mil voces: El poder narrativo del “Tayu”
- Futosao Shamisen: La música que amplifica las emociones
- Ingeniería artesanal: Los secretos mecánicos de las marionetas
- Cabello humano y transformaciones: El misterio de las cabezas “Kashira”
- Sincronización imposible: La técnica de los tres titiriteros
- Las plataformas del maestro: El equilibrio sobre los “Takageta”
- “10 años para las piernas”: El arduo camino de la maestría
- Historia, amor y baile: Los tres géneros que definen el Bunraku
- Obras maestras imprescindibles: La trilogía dorada del repertorio
- El Shakespeare japonés: El genio de Chikamatsu Monzaemon
- El fenómeno social de “Los amantes suicidas de Amijima”
- Consejos para disfrutar del Bunraku en 2026 (incluso sin saber japonés)
- Magia escénica: Los trucos ocultos del escenario
De rituales antiguos al esplendor de Edo: El nacimiento del Ningyo Joruri
Savannah Rivka, CC BY-SA 4.0 https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0, via Wikimedia Commons
Registrado como Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO, el Bunraku se sitúa junto al “Noh” y el “Kabuki” como una de las tres grandes artes clásicas de Japón. Aunque existen teatros de títeres en todo el mundo, el estilo de “tres personas manipulando una sola marioneta” es una técnica de alta complejidad única del Bunraku.
El “Ningyo Joruri” nació de la unión entre los “kugutsumawashi” (titiriteros itinerantes) del periodo Heian, que contaban historias mientras movían muñecos, y el “Joruri” del periodo Kamakura, una narración acompañada por el sonido del shamisen. Cuando comenzaron las representaciones comerciales en 1684, ganó rápidamente popularidad como teatro de masas rivalizando con el Kabuki, alcanzando su edad de oro durante el periodo Edo.
Al principio, las marionetas eran sencillas y manejadas por una sola persona. Sin embargo, el encuentro fatídico en el periodo Edo entre el dramaturgo Chikamatsu Monzaemon y el narrador Takemoto Gidayu dotó a estas obras de una calidad literaria y musical dramática. Esto condujo a un éxito explosivo en Dotonbori, Osaka, considerada hoy la “Tierra Santa” de este arte.
¿Por qué se llama “Bunraku”? El legado de un teatro superviviente
Llegado el siglo XVIII, el Ningyo Joruri comenzó a declinar ante la abrumadora popularidad del Kabuki. En medio de esta crisis, solo una compañía, el “Bunraku-za”, logró continuar con sus funciones. Debido a esto, el término “Bunraku” se convirtió en sinónimo de todo el género de Ningyo Joruri.
La rivalidad creativa con el Kabuki
Durante el periodo Edo, el Kabuki y el Ningyo Joruri eran acérrimos rivales que se influenciaban mutuamente. Obras famosas como “Yoshitsune Senbon Zakura” fueron escritas originalmente para marionetas, pero eran tan fascinantes que el Kabuki las adaptó para actores humanos. Esa feroz competencia entre los creadores de la época es la base de la alta calidad cultural que Japón conserva hoy.
El alma del escenario: La “Trinidad” artística perfecta
Gunther Hagleitner, CC BY 2.0 https://creativecommons.org/licenses/by/2.0, via Wikimedia Commons
El Ningyo Joruri es un arte escénico tejido por tres elementos inseparables: el “Tayu” (narrador), el “Shamisen” (músico) y los “Ningyo-zukai” (titiriteros). A esta unión se le llama “Sangyo-ittai” (trinidad).
La forma en que estos tres elementos se sincronizan sin necesidad de un director ni señales visibles es lo que en Japón se llama “respiración A-Un” (sincronía perfecta). El shamisen capta la más leve respiración del Tayu, y los titiriteros insuflan vida a la muñeca basándose en el sonido. Es un proceso orgánico con una sensación de “directo” muy similar a una jam session de jazz moderno.
El hombre de las mil voces: El poder narrativo del “Tayu”
El “Tayu” es el narrador que describe las escenas, el ambiente y recita los diálogos de todos los personajes utilizando una entonación única llamada “Gidayu-bushi”.
Un solo Tayu interpreta todas las voces: desde un bebé hasta una anciana, desde un samurái hasta un comerciante. No se trata simplemente de cambiar el tono de voz, sino de expresar el “shone” (la esencia o naturaleza real) del personaje desde las entrañas. Es, en esencia, el monólogo teatral definitivo.
Futosao Shamisen: La música que amplifica las emociones
Sentado junto al Tayu se encuentra el maestro del shamisen. En el Bunraku se utiliza el “Futosao Shamisen” (shamisen de mástil grueso), caracterizado por un sonido grave, pesado y potente que expresa los sentimientos de los personajes y la atmósfera de la escena.
Aunque es el mismo tipo de instrumento que el famoso Tsugaru Shamisen, la técnica es totalmente distinta. El shamisen del Bunraku a veces suena percusivo y fuerte, y otras veces delicado como un suspiro, guiando la narración y profundizando en la psicología de la historia.
Curiosidad: La púa (Bachi) del Shamisen
La púa utilizada está hecha de materiales como marfil y es extremadamente pesada. La interpretación es tan intensa que a los músicos no solo les salen callos, sino que se dice que “golpean” el shamisen en lugar de tocarlo. La presión sonora es tal que suele sorprender a quienes lo escuchan por primera vez.
Ingeniería artesanal: Los secretos mecánicos de las marionetas
Ujiko, CC0, via Wikimedia Commons
Las marionetas utilizadas varían según el género, la edad y el estatus social del personaje, pero suelen medir entre 130 y 150 cm y algunas llegan a pesar hasta 10 kg. Están compuestas por partes desmontables: la cabeza (kashira), el vestuario, los brazos, las piernas y el torso. Antes de cada función, los titiriteros ensamblan las piezas según el papel que van a representar.
No solo se mueven el cuerpo y las extremidades; los ojos, las cejas, la boca e incluso los dedos de las manos tienen mecanismos articulados. La delicadeza del movimiento de las manos en las marionetas femeninas es tan sutil que, paradójicamente, a menudo parecen más femeninas que una mujer real.
El secreto de los pies
¿Sabíais que muchas marionetas de Bunraku no tienen pies? Las marionetas femeninas, por regla general, carecen de ellos. El titiritero manipula el dobladillo del kimono con tal maestría que crea la ilusión de que existen piernas caminando. Esto permite un movimiento flotante y elegante (“yugen”) imposible para un ser humano.
Cabello humano y transformaciones: El misterio de las cabezas “Kashira”
Hiart, CC0, via Wikimedia Commons
Existen unos 80 tipos de cabezas o “kashira”. Para el pelo, se utiliza cabello humano real. Curiosamente, se importa de China, ya que el cabello de los japoneses modernos suele estar dañado por tintes y permanentes, rompiéndose con facilidad al peinar la marioneta.
Un artesano especializado llamado “Tokoyama” peina la peluca antes de cada actuación. Hasta el más mínimo mechón está calculado para expresar las emociones del personaje.
El truco del “Gabu”
Existe una cabeza especial llamada “Gabu”. Mediante un mecanismo, el rostro de una hermosa princesa se transforma en un instante en la cara de un demonio con cuernos y ojos dorados. Se usa para expresar celos extremos o rencor, y esta transformación visual es uno de los momentos que siempre arranca aplausos del público.
Sincronización imposible: La técnica de los tres titiriteros
Desde 1734, se estandarizó el sistema de tres personas para manejar una sola marioneta. El “Omozukai” (maestro principal) controla la cabeza y la mano derecha; el “Hidarizukai” maneja la mano izquierda; y el “Ashizukai” se encarga de las piernas.
Los tres visten de negro (kurogo) y trabajan al unísono para crear una única personalidad. Esta cooperación silenciosa es tan profunda que ha sido objeto de estudio psicológico como un ejemplo de “fusión del ego”. Aunque solo vemos la cara del maestro principal (a veces), la esencia del Bunraku reside en esta coordinación invisible.
Las plataformas del maestro: El equilibrio sobre los “Takageta”
Toyotsu, CC BY-SA 4.0 https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0, via Wikimedia Commons
El maestro principal (Omozukai) actúa subido a unos zuecos de plataforma llamados “Takageta”. Esto se hace para dejar espacio al operador de las piernas, que debe trabajar agachado detrás de la marioneta. Algunos de estos zuecos tienen hasta 30 cm de altura. Moverse con ellos mientras se sostiene una marioneta pesada requiere una fuerza física y un equilibrio impresionantes.
“10 años para las piernas”: El arduo camino de la maestría
La jerarquía es estricta: primero se aprenden las piernas, luego la mano izquierda y finalmente la cabeza. Se dice que para llegar a ser Omozukai se necesitan más de 20 años, y otros 10 años más para ser considerado un verdadero maestro.
La enseñanza sigue la tradición japonesa de “aprender mirando la espalda del maestro”, sin muchas explicaciones verbales. No obstante, en 2026, el sistema de aprendices del Teatro Nacional permite que jóvenes con pasión, independientemente de su linaje familiar, puedan entrar en este mundo.
El entrenamiento más duro
La posición más física y agotadora es la de las piernas (Ashizukai). Deben permanecer en cuclillas todo el tiempo y moverse intuyendo las intenciones del maestro principal. Sin embargo, se dice que “si las piernas son buenas, la marioneta cobra vida”. Si observáis el juego de pies en lugar de la cara de la marioneta, entenderéis la verdadera profundidad técnica del Bunraku.
Historia, amor y baile: Los tres géneros que definen el Bunraku
Leo Rodman, CC BY-SA 2.0 https://creativecommons.org/licenses/by-sa/2.0, via Wikimedia Commons
El repertorio se divide en tres grandes categorías:
Jidaimono: Obras históricas basadas en hechos anteriores al periodo Edo (equivalente a una película épica o de fantasía histórica).
Sewamono: Dramas contemporáneos del periodo Edo que tratan sobre el amor y el deber de la gente común (similar a una telenovela o un drama social).
Keigoto: Piezas centradas en la danza y la música (como un videoclip artístico).
El Bunraku como telediario
Muchas obras “Sewamono” se escribían y estrenaban apenas unos días después de que ocurriera un incidente real impactante (como un doble suicidio o un asesinato). Para la gente de Edo, el Bunraku era el medio de comunicación más rápido y profundo para enterarse de los sucesos.
Obras maestras imprescindibles: La trilogía dorada del repertorio
Entre las muchas obras existentes, tres son consideradas las obras maestras absolutas: Sugawara Denju Tenarai Kagami (Los secretos de la caligrafía de Sugawara), Yoshitsune Senbon Zakura (Yoshitsune y los mil cerezos) y Kanadehon Chushingura (La leyenda de los 47 Ronin).
El fenómeno de los 47 Ronin
Kanadehon Chushingura es especialmente popular. Aunque narra la venganza real de los 47 samuráis de Ako, debido a la censura del shogunato, la obra se ambientó en el periodo Muromachi y se cambiaron los nombres. Sin embargo, el público de la época sabía perfectamente de qué se trataba, compartiendo una complicidad tácita muy elegante.
El Shakespeare japonés: El genio de Chikamatsu Monzaemon
No se puede hablar de Bunraku sin mencionar a Chikamatsu Monzaemon, a menudo llamado “el Shakespeare de Japón”. Escribió obras inmortales como Sonezaki Shinju (Los amantes suicidas de Sonezaki) y elevó el género a la categoría de arte mayor.
Su genialidad radica en cómo retrata el conflicto entre el “Giri” (deber social) y el “Ninjo” (sentimientos humanos) con una prosa poética y hermosa. Incluso en 2026, sus historias sobre el sufrimiento amoroso y el sacrificio familiar resuenan profundamente en nosotros. En el distrito Chuo de Osaka, aún se pueden visitar los lugares relacionados con él, como el sitio del antiguo teatro Takemoto-za.
El fenómeno social de “Los amantes suicidas de Amijima”
El Bunraku se centraba en obras históricas hasta que Chikamatsu comenzó a escribir sobre tragedias amorosas de gente común, lo que provocó un fenómeno social. Su obra cumbre es Shinju Ten no Amijima (Los amantes suicidas de Amijima).
La historia narra el amor prohibido entre Jihei, un comerciante de papel, y Koharu, una cortesana. Más allá del suicidio final, la obra destaca por la compleja red de relaciones humanas, incluida la devoción y sacrificio de Osan, la esposa de Jihei.
Fue tal el impacto de estas obras que, en su momento, aumentaron los suicidios reales de parejas inspiradas por el teatro, obligando al gobierno a prohibir las obras de “Shinju” (suicidio doble) durante un tiempo. Eso demuestra el poder visceral que tenía, y tiene, el Bunraku.
Consejos para disfrutar del Bunraku en 2026 (incluso sin saber japonés)
Puede intimidar pensar que el Bunraku se recita en japonés antiguo, difícil incluso para los nativos modernos. Sin embargo, no os preocupéis.
En el Teatro Nacional de Bunraku en Osaka, las funciones cuentan con pantallas que muestran subtítulos (a menudo disponibles en inglés). Además, recomendamos encarecidamente alquilar las “audioguías” (Earphone Guide), que explican la trama y el contexto cultural en tiempo real mientras avanza la obra. Leer un resumen de la trama antes de entrar al teatro aumentará drásticamente vuestra inmersión.
La web oficial también ofrece vídeos explicativos excelentes para prepararse antes de la visita.
Magia escénica: Los trucos ocultos del escenario
z tanuki, CC BY 3.0 https://creativecommons.org/licenses/by/3.0, via Wikimedia Commons
Finalmente, fijaos en el escenario. Tiene una zona hundida llamada “Funazoko” (fondo de barco) que permite a los titiriteros caminar a un nivel inferior para que la marioneta parezca caminar sobre el suelo real. También veréis el “Bonmawashi”, una plataforma giratoria que permite cambiar a los narradores y músicos de forma fluida. Técnicas como el “Hikinuki” (cambio de vestuario instantáneo en escena tirando de unos hilos) ofrecen sorpresas visuales que nada tienen que envidiar a los efectos especiales digitales de hoy en día.
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